藝術作品的“美”和“美麗”
生活中，我們常會聽到這樣的話：
這個作品真“
美
”
這個作品真“
美麗
”，當然“
美麗
”這個詞其實還是書面語一些，口語中常用地一個近義詞是“
漂亮
”
二者之間有區別？當然有有區別，而且有很大的，
本質性
的區別。為什麼這麼說呢？因為“美”和“美麗”套用一對哲學術語解釋它們的關係：
本質-屬性
。我舉一個例子，我們說狗這個詞，是指共相的狗還是某一隻狗呢？換句話說，金毛是狗，狗難道是金毛嗎？
因此，美麗和美的關係和上面金毛和狗的關係一樣，
藝術作品必須“美”，但不一定“美麗”
。很多看上去“
不美麗
”的藝術作品，同樣能“
美
”。
藝術作品是用來
審美
的，它如果都不“
美麗
”了，那我們審的是什麼呢？假如說，我們對一個“
醜
”的物件怎麼會產生起美感呢？大家肯定會問，如果你談戀愛，對方“不漂亮”，你還能談下去嗎？
其實這個例子又預設了
兩個前提
：
1、我們認為漂亮有一個標準，那就是“美”的標準，而且是
個人意義
上的。
2、個人既然談戀愛了，他（她）一定會找個人意義上認為漂亮的，就根本不存在不漂亮這一說，至於說對方不漂亮，那是別人的審美做的判斷，只要你開始談戀愛，你就在審美。而非審醜
這樣說似乎有點抽象，下面我透過藝術作品，來詳細講講“
美
”和“
美麗
”二者的關係。
在傳統觀念中，一件藝術作品是
以“美”為前提
的。這裡的“美”，通常指的是漂亮，既透過藝術家的處理（
顏色，比例，筆觸
等等），使形象表現出整體的
和諧
，讓觀看者有一種賞心悅目的欣喜，以至於擁有一定的審美的享受。但是有時為了表現這種“美”，
有可能忽視掉被表現客體的其他屬性
，例如該形象原本的客觀屬性。
文森特的臥室 梵高
從很早時期開始，藝術家們就開始透過自己的藝術手法處理一些形象，以至於讓它們達到藝術家們心中的理想狀態。例如
米開朗琪羅
的雕塑
《大衛》
和
《摩西》
。對於藝術系學生來說，這兩尊雕塑一定不會陌生。在這兩件雕塑作品中，米開朗琪羅特意將人物形象的手和腳刻畫得更大，幾乎是正常比例的
1.5倍
，這是為了表現人物形象的某些特殊屬性而進行的適當
“變形”
，看上去也沒有多麼誇張，因此大家也欣然接受。
米開朗琪羅 大衛
而在學院派大師
安格爾
的作品中，有一件在當時就極富爭議的作品—
《大宮女（La Grande Odalique）》
。這幅畫刻畫了一個側臥的裸體宮女的，人物刻畫十分優美安詳。但是起爭議之處在於，
安格爾為了讓人物的背部曲線看起來更加完美，特意拉長了人物的背部線條，使得讓這位宮女看起來比正常人多出了兩節脊椎骨
。這樣的為了追求“美”而不顧一切的做法，在當時引發了很大的爭論。在藝術家和批評家看來，安格爾為了單純的“
美
”，毫不猶豫地將“
真
”給拋棄了，這種幾乎是回到十五六世紀矯飾主義的做法，在當時也是很難被接受的。
安格爾 《大宮女（La Grande Odalique）》
雖然這不是關於“
美
”和“
真
”的第一次爭論，卻是比較著名的一次，也十分明顯地推動了之後藝術的發展。在這裡就不得不提到
波德萊爾
，與安格爾同時期的法國詩人，被譽為是
現代主義藝術創始人之一
。在他的詩集
《惡之花》
中，將傳統詩歌描寫的物件，替換做“
妓女”、“腐爛的老鼠”、“骯髒的街道”、“卑賤的死亡”
等等，便是將傳統意義上的“
醜
”與“
美
”互換了位置。也為美學上的“
美
”“
醜
”與社會傳統的善惡美醜區分開來。
波德萊爾 惡之花
在後續的藝術發展程序中，
印象派，野獸派，立體派，表現主義
的出現和壯大，都為上述問題給出了一個明確的答案。將藝術作品中的“
美
”和傳統的“
漂亮
”區分開來，讓“
美
”的意義更加的精確，包含的內容也更為廣泛。也就是說，“
美
”中原來函括的“
漂亮
”這一意義，讓位給“
真
”，從此藝術作品也就不一定要“
漂亮
”，而是要追求“
真
”，力求表現形式和內容的統一。如此一來，藝術便從以
形式為主
的泥潭中解放出來，讓藝術的表現得以更加豐富，不再拘泥於形式，也成就了藝術欣賞的門檻。
莫奈 日出
除了被大家津津樂道的
畢加索
外，另外一位將自己放飛得更加徹底的畫家，
馬蒂斯
的作品也是被稱之為“
我上也能行
”的藝術家之一，以他為代表的
野獸派
，同樣是硬生生的將有貶義“野獸派”，轉為了自己這類新畫派的名稱。馬蒂斯不同於畢加索的和之前的
先鋒繪畫流派
，他們或多或少的都在追求的著
顏色的美麗
，使用調和過後的顏色是畫面看起來更加和諧。馬蒂斯則是完全的使用
大面積的純色塊，不加調和，讓畫面的顏色相互割裂。人物形象也十分的拙稚
，看起來似乎並沒有花多大功夫。
馬蒂斯 紅色餐桌
正是這樣
充分直接
的表達，讓畫面中的情感更加的強烈，也更加能夠吸引人。馬蒂斯的畫面中的主要部分並不是傳統的以形象來表達某種意義，而是以一種近乎
原始
的方式，將內心的衝動直接塗抹在畫布上。這種直接表現情感的畫法也為後來的很多流派鋪平了道路。但是本質上，野獸派也有自己的侷限性，
並沒完全衝破“漂亮”的限制
，他的用色原則依然是從前那一套，畫面看起來依然很漂亮，只是不是人們所熟悉的那種漂亮。
法國野獸派畫家Andre Derain 作品
在藝術作品中徹底的將“
漂亮
”這一概念拿掉則要等到
二十世紀
的
杜尚
和
達達主義
們，杜尚總體來說還是將藝術放在一個
討論
的範圍內，透過自己的方式，將藝術的覆蓋面無限拓寬；達達主義們則是以“
反藝術
”為藝術宗旨，作品中總是充斥著各種
令人不安的元素
，例如在展覽中播放防空警報，令人反感的
性行為
等等，總之是所有使人不舒服的元素組成了達達主義的藝術作品。
達達主義是一個極端的藝術團體
，但是在藝術的表現方式上卻不得不提到他們，正是那一時期的一些不同尋常的藝術作，直接推動了當代藝術的誕生，也讓“
漂亮
”徹徹底底的從藝術必要條件中剝離了出去。
達達主義法國前衛畫家Francis Picabia作品
義大利藝術家
曼佐尼
的代表作
《藝術家的屎》
就是一個最好的例子。他將自己的糞便分量裝入一些商用的罐頭裡，包裝上明確地著明瞭“藝術家的屎，每罐30g，純天然，1961年五月製造幷包裝”。這就是典型的“
以醜為美
”，不過跟世俗的觀點不同，這個“
醜
”貴在“
真
”，而“
真
”是可貴的，不矯揉造作的，是能直接表現作品內容的關鍵。這件作品是對當時藝術界犀利的質問，曼佐尼要表達的是對藝術界的不滿，於是他揮出了屬於他的這一記重拳，也是在質問“
什麼是藝術
？”。
曼佐尼《藝術家的屎》
他丟擲的這個問題值得引發人們的思考，這在
一定程度代表當代藝術在社會中的位置和存在的價值
。藝術的作用和目的有很多，但是在單純的“
漂亮
”這個方面，已經在歷史的長河中被捨棄了，現在要求藝術作品可以有
教化
目的，可以以表現
自我為主
，可以討論某些客觀問題，也可以單純的
為了藝術而藝術
等等。當然當代藝術中良莠不齊，有優秀的作品，就會有譁眾取寵濫竽充數的作品，在這方面需要的是
靠個人的藝術品味來分類，而不是靠視覺效果的“漂亮”
。
