為什麼交響樂《春之祭》這麼有名？
圭多達萊佐2015-01-06 14:57:48卸腰。
不僅是首演的故事。也是因為這部作品在當時引進了很多新的觀念。和聲上的不協和音程的大膽運用（對後世的審美觀和創作觀起到了很大的影響。從那個時期開始，傳統意義上的“優美”的和聲和旋律已經不再是音樂創作中最重要的因素了），以及配器上的對樂隊規模的擴充套件。當代的管絃樂作品的配器大概有兩個傾向，一個是逐漸小規模化、室內樂化，另一個就是逐漸多管化，特別是銅管樂器（圓號什麼的）的增加。這一支中，《春之祭》是一個很重要的來源。另外，從細節上來說或，作曲家對樂器特色的挖掘也很有創新。比如樂曲剛開頭的大管極高音區的獨奏，就是很突破傳統的。
另外，在節奏模式上，《春之祭》也有很大膽的探索。20世紀初的音樂，雖然已經有了節奏複雜化的趨勢，但是其實並沒有走太遠。《春之祭》中的節奏模式，是非常突破常規的。分母是4的節拍和分母是8的節拍交替出現，而且，就算是這種交替出現，音樂本身的強拍還並不都在每小節第一拍。我讀碩士的時候，指揮課期末考試就是指揮《春之祭》的最後一分半鐘，一分半鐘練了好久- -指揮教授說，因為節奏太複雜，有的指揮就直接把總譜全改寫了，按照強音的所在位置，把強音都放在小節第一拍，重新劃分了節奏，但是我比較懶，就沒這麼做- -
Cantabell Lynn2017-08-24 16:32:21來解說一下《春之祭》的幕後團隊和文化背景~~
我們來認識一下出品《春之祭》的四個（神）巨（經）頭（病）。
其一，
伊戈爾 · 斯特拉文斯基
，作曲家。
熱衷於挖掘俄羅斯民間小調作為音樂素材。
但是不知道為什麼，柴可夫斯基用民間小呼叫得這麼好聽，他用就好像神經錯亂一般。
此時正高舉著新古典主義的大旗。
“我們現在的音樂糟糕透頂！看在上帝的份上，回到巴赫，回到巴赫，先生們！……”
其二，
瓦斯拉夫 · 尼金斯基
，芭蕾編舞。
對，就是那位朝演員喊拍子的可憐先生。
在此之前為德彪西的《牧神的午後》編舞；此劇最後一幕打破傳統、用舞蹈暗示性慾，被視為當時最前沿的芭蕾舞作品。
最擅長的其實不是你們想的扭扭扭，而是跳高高。
可以張狂地跳、妖嬈地跳、忽視地心引力地跳。
“每次演出完，頭髮上都沾了天花板的牆灰呢。”
其三，
尼古拉斯 · 羅伊里奇
，舞臺設計。
是畫家、作家、哲學家、演員。
很喜歡老舊、復古的東西。
收藏石器時代的藝術品。
如果出生在現代，估計會日日流連於文藝少女聚集地。
然後把她們都嚇跑，因為他是小清新的絕對反面。
“最原始、最醜的石頭，我最好的藏品。”
其四，
謝爾蓋 · 迪亞格列夫
，製作人。
父母想讓他當律師，他拒絕了，表示要追求藝術。
然後發現自己沒有才能，被各路大神完虐。
改行當贊助，辦期刊、辦展覽、辦公司。
創辦芭蕾舞公司Ballet Russes，致力於在世界各地展現俄國藝術之美。
公司主要活躍於巴黎。
“我們俄國人的東方美感，豈能與你們這群嚶嚶嚶的法國么蛾子相提並論？！”
這四個妖怪各自有各自的妖處，但是把他們聯結在一起的，是這樣一個訴求：
“把我們大俄國的音樂帶向世界！”
真是一群愛國的好妖怪。
而他們認為的俄國音樂的特點，在於其
原始性
。
上圖是迪亞格列夫（右）與尼金斯基（左）的迷之自拍……
實際上，他們同時響應了當時風靡歐洲的一個思潮：
原始主義
。
原始主義者們乾的事情，是從史前文化中提取靈感，將原始的元素運用在藝術中。
原始主義代表作之一，亨利·盧梭的《熱帶森林中虎與牛之鬥》
《春之祭》被稱為原始主義的代表作之一，原始主義的痕跡在作品中處處可循：
劇情是講原始部落的人祭；
演員服裝上繪滿了極具特色的史前文化圖案；
↑《春之祭》的首演，舞團為Ballet Russe
至於舞蹈，據演員說，尼金斯基的編舞簡直挑戰人類極限。“我們每次一跳，內臟就錯一次位！” （原話）
大家可以在上圖中看到，演員那詭異的內八……小編曾聽一位學芭蕾舞的同學說，“看他們跳舞引起了我的生理不適。”
音樂裡滿是不和諧音，還有不規則的節奏和刺耳的重音，充滿了反文明的意味……
斯特拉文斯基讓巴松管奏出其音域中的最高的幾個音。要知道，巴松管可是木管樂器中音域最低的！從沒有人這樣用巴松管，巴松聽起來簡直不像巴鬆了。
巴松管的樂譜
所有這些原始主義元素，都為《春之祭》增加了極大的衝擊力。對於還沒從十九世紀的優雅與浪漫中完全脫離的觀眾們來說，這樣充滿野性的音樂、舞蹈，真是聞所未聞。
這就難怪觀眾們雞飛狗跳，作出種種喪心病狂的反應了。
有趣的是，怎麼說呢……
這部舞劇的精神就在於其喪心病狂，而觀眾們的反應完美地呼應了這種精神。
於是，一部充滿原始意味的作品留在了音樂史上；而一個充滿原始意味的鬧劇，則作為一個別開生面的故事，留在了人們的記憶裡，成為說起斯特拉文斯基時，永遠繞不過的談資。
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本文首發於&節選自微信公眾號 【倒著寫的平均律】。想知道斯特拉文斯基的人生軼事就來關注我們吧朋友們！owo
沙漏2019-07-11 17:30:11我現在就在聽春之祭，這首曲子我曾經演了兩年，我演定音鼓。百聽不厭。
為啥，先從結構來給你說，我先給你科普一個詞：蒙太奇。
蒙太奇原味建築學主義，意思為構成/裝配。在音樂中就是拼貼剪下手法。蒙太奇一般包括畫面剪輯和畫面合成兩方面。畫面合成：由許多畫面或圖樣並列或疊化而成的一個統一圖畫作品。畫面剪輯：製作這種藝術組合的方式或過程是將電影一系列在不同地點，從不同距離和角度，以不同方法拍攝的鏡頭排列組合起來，敘述情節，刻畫人物。
美術上我還要給你科普一個詞： Primitive 原始藝術。
此派畫家受柏格森“直覺論”影響。追求陳丹青畫家所說的那種純與真。
其次是野獸派：
我再給你科普一個詞：當下。
叔本華寫過一句話，句子大概是：過去的一切都是虛無，而未來還未發生，當下的才是值得珍惜的。
用來銜接到蒙太奇手法，我個人覺得這不牽強。因為蒙太奇就是當下，就是瞬間，春之祭是許多個畫面的組成，它是寫給芭蕾的作品。他是十四張畫，就像一個鏡頭，把每個樂章的精華粗暴極端的展現在觀眾面前，每一段簡直一點關係都沒有，全部活在瞬間。讓觀眾揪著一顆心在聽。你說偉大不偉大？（⁎⁍̴̛ᴗ⁍̴̛⁎）
好了，基本概念我給你講完了。
現在聊聊過去的和聲歷史，從巴洛克的到浪漫晚期，作曲家們得按照和聲級數一點點往裡面寫，今天你讓我們做曲分，每一個都能給你找出一個音級。二十世紀開的，音樂家和畫家們把音樂全部變革了，斯特拉文斯基經常使用雙調式（你們別糾結這個事，我分析過，分析的好累）。而且斯特拉文集還用蒙太奇，還專門寫不和諧音程，怎麼不好聽怎麼來，但是越聽越好聽。
你問我好的音樂是什麼：音樂是一種驚嚇。
好的作品一定顛覆你三觀（ ̀⌄ ́）。但是，這得放在巴黎。巴黎是個什麼地方？9年前我第一次去巴黎，鴿子在火車站裡自由散步，胖的像紅薯。我當時驚嚇了，鴿子都可以這麼囂張。
他這曲子放在巴黎首演，是有土壤環境的，放別的保守傳統國家，估計就捂耳朵了。巴黎是所有文藝青年的好去處，海明威不是說了嗎：巴黎是一場流動的宴席。當時這場演出，為了拉觀眾，肯定叫了很多各行各業的頂尖人物。這首作品當時肯定也就被許多很新潮的人看種了，因為這是一種思想。巴黎到今天為止，從來不拒絕創新的人。
對了，香奈爾和斯特拉文斯基電影裡那事，應該是真的。我前幾天琢磨著一件事，斯特拉文集晚年在我教書的地方Clarens安家。香奈爾的墳墓就在洛桑，我讀書的地方。我仔細一想，除了戰爭原因，這兩地今天坐火車也就37分鐘，想見個面也挺容易的，所以你們自己悟。
其次作為一個打擊樂演奏者，我想做點來自個人的觀點。
在斯特拉文斯基以前，幾乎所有的曲子都是那種跳舞起來很順的節奏，斯特拉文斯基動不動寫8/7 8/5 8/12等型別的節奏，如果真的跟著跳那就是瘸腿舞。
對於芭蕾舞演員是挺折磨的一件事，當然對於樂團音樂家們也是一件挺折磨人的事。這種結構的節奏來自於俄羅斯民間傳統音樂（這個我半確定，像這種Folklore節奏形式，被廣泛運用的於現代派音樂。）
我們練的時候已經要擺脫自然節奏了。一個人練就要不斷習慣這個節奏，將節奏分成2，3來演奏。
整個團合起來，那就是要命呢。大家得一起數，誰數錯了別人就沒法接呢。而且我們打擊樂一錯就錯腰上了呢，想混都混不過去。
如果大家有興趣，可以看看伯恩斯坦晚年指揮春之祭的排練影片，真的就是大罵打擊樂呢。
所以這個曲子結合了幾點： 與當時年代藝術尖端環境吻合，新潮，誕生土壤在巴黎，找到了好的投資人做推廣，寫作前無古人後無來者，節奏大膽，我再想想，他百聽不厭、越聽越有意思。
這個答案對你有幫助嗎？
送上一張春之祭當年的芭蕾舞的經典版本照片。如果要聽，你們可以聽Boulez指揮的版本：
Rosauro2019-07-25 18:21:50前面都說了那麼多歷史背景了，講一下國內職業交響樂團對於這首曲子的意義吧
可以不過分的說，這是全中國所有交響樂團的一座大山
這座山誰能翻過去、誰就能說自己是中國最好的交響樂團，當然也包含前提，沒有外援，演奏人員是必須是本團常任樂手，按原譜演奏，演出沒有重大失誤
yoyoo程2019-07-30 19:39:16斯特拉文斯基忠實粉絲在此。
《春之祭》應該算是芭蕾舞劇，不是傳統的交響樂。雖然也用交響樂團的制式演出。
很多不是從小接觸古典音樂的樂迷，比如我，第一次聽《春之祭》應該不是交響音樂會，而是舞蹈。皮娜鮑什的版本，跪著看完的。
《春之祭》的故事本身具有很深感染力，向大地獻祭，跳舞至死。又原始又迷幻，用序列主義這種後現代音樂形式表達最貼切不過。開頭的不安，後續的緊張、高潮的崩壞，成為少有的有強烈故事感染力的交響樂。
即使是在現代語境下，也可以詮釋為生命本源、焦慮、困惑等主題。幾乎成為了所有現代舞團的必選。作為一個知名的現代舞團，沒有一個自己版本的《春之祭》，好像都說不過去。
後來跟著雷動天下學了幾年現代舞，現在最鍾愛在客廳裡開著《春之祭》放飛自我。
後來愛上《春之祭》交響樂，開始去真正聽，包括又看了很多次現場，比如樊志登指揮紐約愛樂樂團多版本，就會發現其中奧妙無限。
首先，對交響樂團要求極高，尤其是作為主角的管樂和打擊樂。
之前看過知乎大v的帖子，分析為什麼到19世紀末和20世紀的音樂流派，都更加註重運用管樂和打擊樂，而不是以絃樂作為主角。一定程度上也是因為絃樂主旋律前輩們已經創造了太多經典，發揮空間小，作曲家為了求新，在管樂和打擊樂上下功夫。《春之祭》就是把木管和打擊樂的魅力發揮到極致。開頭巴松的solo一出來，這種難以言說的靜穆卻透著詭異不安的氛圍就營造出來。更不要提後程打擊樂的助力，一波波推向高潮。
而一個樂團，拿出一支成熟不掉鏈子的絃樂隊，難度不大，但到了管樂solo，即使是柏林愛樂，冒泡的情況也不少見。一般到了一線城市，歷史相對悠久的樂團，才有可能有比較不錯的管樂隊和打擊樂配置。
所以這首曲子其實不常表演，難度很大。但會有頂尖的樂團作為常備曲目。
同時，對指揮的考驗也就增加。序列音樂也是無調音樂的分支，節奏型也相對複雜。圭大也提到，是指揮專業的考試曲目。
每一次聽現場都會感到其樂無窮，從頭至尾不會厭倦，輪番的solo和不規則的和聲，應接不暇。眼睛耳朵都有點用不過來。
後來發現單向街還出了一本書《春之祭》。全程卻探討的是第一次世界大戰的起源、影響和
餘波
，卻是從 1913 年斯特拉文斯基和
尼金斯基
的
芭蕾舞劇
《春之祭》的首演，一路寫到 1945 年希特勒的死亡。
作者寫的是歷史大轉折時期人們觀念的急劇轉變，然後投射在這部作品上。書很晦澀只是粗略度了下，但也是不明覺厲了。。。
